Figuurtekening - Figure drawing - Wikipedia

Vanuit Wikipedia, Die Vrye Ensiklopedie

Pin
Send
Share
Send

Figuurtekening deur Leonardo da Vinci

A figuurtekening is 'n tekening van die menslike vorm in een van sy verskillende vorms en houdings gebruik een van die tekeninge media. Die term kan ook verwys na die daad van die vervaardiging van so 'n teken. Die mate van voorstelling kan wissel van baie gedetailleerde, anatomies korrekte weergawes tot los en ekspressiewe sketse. 'N' Lewenstekening 'is 'n tekening van die menslike figuur uit waarneming van 'n lewende model. 'N Figuurtekening kan 'n saamgestelde kunswerk of 'n figuurstudie gedoen ter voorbereiding van 'n meer voltooide werk soos 'n skildery.[1] Figuurtekening is waarskynlik die moeilikste onderwerp kunstenaar word gereeld ontmoet, en hele kursusse word aan die onderwerp gewy. Die menslike figuur is een van die mees blywende temas in die visuele kunste, en die menslike figuur kan die basis wees portrette, illustrasie, beeldhouwerk, mediese illustrasie, en ander velde.

Benaderings

Kunstenaars volg verskillende benaderings om die menslike figuur te teken. Hulle kan gebruik maak van lewendige modelle of foto's,[2] van skeletmodelle, of uit geheue en verbeelding. Die meeste instruksies fokus op die gebruik van modelle in 'life tekening'-kursusse. Die gebruik van fotografiese verwysing - hoewel algemeen sedert die ontwikkeling van fotografie- word dikwels gekritiseer of ontmoedig oor die neiging om 'plat' beelde te lewer wat die dinamiese aspekte van die onderwerp nie vaslê nie. Teken uit verbeelding word dikwels geprys vir die ekspressiwiteit wat dit aanmoedig, en word gekritiseer oor die onakkuraathede wat die kunstenaar se gebrek aan kennis of beperkte geheue in die visualisering van die menslike figuur laat ontstaan; die ervaring van die kunstenaar met ander metodes het 'n groot invloed op die effektiwiteit van hierdie benadering.

By die ontwikkeling van die beeld fokus sommige kunstenaars op die vorms wat geskep word deur die wisselwerking tussen lig en donker waardes op die oppervlaktes van die liggaam. Ander neem 'n anatomiese benadering, begin deur die interne te benader geraamte van die figuur, bedek die interne organe en bespiering, en die vorms met die vel bedek, en laastens (indien van toepassing) klere; studie van menslike interne anatomie is gewoonlik betrokke by hierdie tegniek. 'N Ander benadering is om die liggaam losweg te konstrueer meetkundig vorms, byvoorbeeld 'n bol vir die skedel, 'n silinder vir die bolyf, ens. verfyn dan die vorms om meer soos die menslike vorm te lyk.

Vir diegene wat sonder visuele verwysing werk (of as 'n manier om u werk na te gaan), verhoudings wat algemeen aanbeveel word in figuurtekeninge is:[3]

  • 'N Gemiddelde persoon is oor die algemeen 7 en 'n half koppe lank (insluitend die kop). Dit kan aan studente in die klaskamer geïllustreer word met behulp van papierborde om die lengte van hul liggame visueel te demonstreer.
  • 'N Ideale figuur, gebruik vir 'n indruk van adel of genade, word op 8 koppe hoog geteken.
  • 'N Heldefiguur wat in die uitbeelding van gode en superhelde gebruik word, is agt en 'n half koppe lank. Die meeste ekstra lengtes kom van 'n groter bors en langer bene.

Hierdie verhoudings is baie nuttig vir 'n staande model. Inhou wat bekendstel verkorting verskillende liggaamsdele sal veroorsaak dat hulle verskil.

Media

Sit vrou, teken in swart kryt, skool van Rembrandt (17de eeu)

Die Franse salon in die 19de eeu die gebruik van Conté kryte, dit is stokkies was, olie en pigment, gekombineer met spesiaal geformuleerde papier. Uitwissing is nie toegelaat nie; in plaas daarvan is daar van die kunstenaar verwag om die figuur in ligte houe te beskryf voordat hy donkerder en sigbaarder merke maak.

Figuurtekening deur Lovis Corinth. Voor 1925

'N Gewilde moderne tegniek is die gebruik van a houtskool stok, berei uit spesiale wingerdstokke, en 'n growwer vorm papier. Die houtskool kleef los aan die papier vas, wat baie maklik uitvee, maar die finale tekening kan behoue ​​bly met 'n spuit-op "fixeerder" om die houtskool nie af te vryf nie. Harder saamgeperste houtskool kan 'n meer doelbewuste en presiese effek lewer, en gegradueerde tone kan geproduseer word deur met die vingers te smeer of met 'n silindriese papiergereedskap wat 'n stomp.

Grafietpotlood word ook algemeen gebruik vir figuurtekeninge. Vir hierdie doel word kunstenaarspotlode in verskillende formulasies verkoop, wat wissel van 9B (baie sag) tot 1B (medium sag) en van 1H (medium hard) tot 9H (baie hard). Soos houtskool, kan dit met 'n stomp uitgewis en gemanipuleer word.

Ink is nog 'n gewilde medium. Die kunstenaar begin dikwels met grafietpotlood om die tekening te skets of te skets, dan word die finale lynwerk met 'n pen of kwas gedoen, met permanente ink. Die ink kan met water verdun word om gradasies te lewer, 'n tegniek wat inkwas genoem word. Die potloodmerke kan uitgewis word nadat die ink aangebring is, of op hul plek gelaat word met die donker ink wat hulle oorheers.

Sommige kunstenaars teken direk met ink sonder die voorbereiding van 'n potloodskets, en verkies die spontaniteit van hierdie benadering, ondanks die feit dat dit die vermoë om foute reg te stel, beperk. Matisse is 'n kunstenaar waarvan bekend is dat hy so gewerk het.

N gewilde metode van Watteau en ander 17de en 18de-eeuse kunstenaars van die Barok en Rokoko Die era was om te begin met 'n gekleurde toongrond halfpad tussen wit en swart, en om skaduwee in swart toe te voeg en hoogtepunte in wit, met behulp van pen en ink of 'kryt'.

Geskiedenis

Die menslike figuur is sedert prehistoriese tye die onderwerp van tekeninge. Alhoewel die ateljee-praktyke van kunstenaars van die oudheid grotendeels 'n kwessie van vermoede is, word die anatomiese verfyning van hul werke voorgestel dat dit dikwels naakmodelle geteken en geskoei is. 'N Anekdote wat deur Plinius beskryf hoe Zeuxis het die jong vroue van Agrigentum naak voordat hy vyf gekies het waarvan hy die kenmerke sou kombineer om 'n ideale beeld te skets.[4] Die gebruik van naakmodelle in die middeleeuse kunstenaarswerkswinkel word geïmpliseer in die geskrifte van Cennino Cennini, en 'n manuskrip van Villard de Honnecourt bevestig dat die skets uit die lewe 'n gevestigde praktyk in die 13de eeu was.[4] Die Carracci, wat hul oopgemaak het Accademia degli Incamminati in Bologna in die 1580's, stel die patroon vir latere kunsskole deur die lewe te teken die sentrale dissipline.[5] Die kursus het begin met die kopiëring van gravures, en daarna is daar gebruik gemaak van gipswerk, waarna die studente opgelei is om volgens die lewendige model te teken.

In die laat 18de eeu het studente in Jacques-Louis Davidse ateljee het 'n streng onderrigprogram gevolg. Bemeestering in tekenwerk is as 'n voorvereiste vir skilderkuns beskou. Studente het ongeveer ses uur per dag getrek uit 'n model wat een week in dieselfde posisie gebly het.[6] "Agttiende-eeuse tekeninge, soos dié wat aan Jacques-Louis David toegeskryf word, is gewoonlik uitgevoer op getinte papier in rooi of swart kryt met wit hoogtepunte en 'n donker grond. Die modelle se houdings was geneig om aktief te wees: staande figure lyk of hulle roer en selfs sitende figure gedraai dramaties. Noukeurige waarneming van die liggaam van die model was ondergeskik aan die weergawe van sy gebaar, en baie tekeninge - in ooreenstemming met die akademiese teorie - blyk 'n verteenwoordigende figuur eerder as 'n spesifieke liggaam of gesig aan te bied. die negentiende eeu [...] is gewoonlik in swart kryt of houtskool op wit papier uitgevoer en is noukeurige uitbeeldings van die kenmerke en eienaardighede van die liggaam van die lewendige model. Bewyse van die kunstenaar se hand word geminimaliseer en, hoewel dit lê of sit, vorm dit is skaars, selfs staanposisies is relatief staties ... " [7] Voor die laat 19de eeu is vroue oor die algemeen nie toegelaat om in figuurtekenklasse te gaan nie.[8]

Akademiefiguur

'N akademie figuur is 'n teken, skildery of beeldhouwerk letterlik, van die naak menslike liggaam met behulp van 'n lewendige model, gewoonlik halfwaardig.[aanhaling nodig]

Dit is 'n algemene oefening wat studente van kunsskole en akademies, beide in die verlede en hede, vandaar die naam.[9]

Vroue

'N Uitgestrekte akademiefiguur deur neoklassieke skilder Pierre Subleyras

Historiese verslae toon dat naakmodelle vir aspirant vroulike kunstenaars was grotendeels nie beskikbaar nie. Daar is vroue van sekere instansies uitgesluit omdat dit vir hulle as onbehoorlik en moontlik selfs gevaarlik beskou is om naakmodelle te studeer.[10] Alhoewel mans toegang tot manlike en vroulike naak gekry het, was vroue beperk tot die aanleer van anatomie uit rolverdeling en modelle. Eers in 1893 kry vrouestudente toegang tot lewenstekeninge aan die Royal Academy in Londen,[11] en selfs dan moes die model gedeeltelik gedrapeer word.[12]

Die beperkte toegang tot naakte figure belemmer die loopbane en ontwikkeling van vroulike kunstenaars. Die mees gesogte skilderye het diepgaande kennis van anatomie vereis wat stelselmatig aan vroue ontken is,[12] wat daardeur afgeskakel is na minder geagte skildervorme soos genre, stillewe, landskap en portrette. In Linda NochlinIn sy opstel "Why have there been no great Women Artists", identifiseer sy die beperkte toegang wat vroue gehad het om naakfigure te teken as 'n histories belangrike hindernis vir die artistieke ontwikkeling van vroue.[12]

Hedendaagse ateljee-onderrig

Tekening van 'n man wat met gekruiste bene sit
Naakstudie deur Annibale Carracci

Figuurtekeninstruksie is 'n element van die meeste fyn kuns en illustrasie programme. Akademies vir kuns in Italië het 'n scuola libera del nudo ("gratis skool van die naak"), wat deel uitmaak van die graadprogram, maar ook oop is vir buite-studente.[13] In 'n tipiese klaskamer vir figuurtekeninge sit die studente rondom 'n model in 'n halfsirkel of 'n volle sirkel. Nie twee studente het presies dieselfde siening nie, en dus sal die tekening die perspektief van die kunstenaar se unieke ligging ten opsigte van die model weerspieël. Die model stel dikwels op 'n staander om studente in staat te stel om makliker 'n onbelemmerde uitsig te vind. Afhangend van die tipe houding, kan meubels en / of rekwisiete gebruik word. Dit word gewoonlik in die tekening opgeneem, vir sover dit vir die kunstenaar sigbaar is. Agtergronde word egter gewoonlik geïgnoreer, tensy die doel is om te leer oor die plasing van figure in 'n omgewing. Individuele modelle is die algemeenste, maar verskeie modelle kan in meer gevorderde klasse gebruik word. Baie ateljees is toegerus om 'n verskeidenheid beligtingsreëlings moontlik te maak.

Wanneer dit op universiteitsvlak onderrig word, is figuurtekenmodelle dikwels (maar nie altyd nie) naak (afgesien van klein juwele, rekwisiete of ander onopsigtelike items). Terwyl hy poseer, word die model gewoonlik versoek om heeltemal stil te bly. Vanweë die moeilikheid om dit vir 'n lang tydperk te doen, word periodieke onderbrekings vir die model om te rus en / of rek gewoonlik in langer sessies en moeiliker posisies ingesluit.

Aan die begin van 'n figuurtekeningsessie word die model dikwels versoek om 'n reeks kort posisies vinnig op te volg. Dit word gebaarposisies genoem en is gewoonlik een tot drie minute elk. Gebaartekening is 'n opwarmingsoefening vir baie kunstenaars, hoewel sommige kunstenaars die gebaar skets as die eerste stap in elke figuurtekening.[14] Hierdie breë beroertes word nie net met die pols van 'n pols gedoen nie, maar deur die hele arm te gebruik om die beweging van die model vas te vang. Dit help ook om die kunstenaar gefokus te hou op die model in plaas van op die papier. Wat die menslike liggaam betref, is kunstenaars pynlik krities; die verhoudings van 'n stillewe hoef nie perfek geteken te word om outentiek te lyk nie, maar selfs die geringste fout in menslike verhoudings kan maklik opgespoor word.

Moderne en kontemporêre kunstenaars kan kies om verhoudings te oordryf of te verdraai om die gebaar of waargenome stemming van die modelle se houding te beklemtoon. Die uitkomste kan as 'n voltooide kunswerk beskou word, wat sowel die onderwerp as die waarneming, emosionele en merkwaardige reaksie op die kunstenaar se figuurtekening-ervaring uitdruk.

Anatomie is slegs die eerste vlak van kommer in lewensklasse. Figuurgrond verhoudings en ander aspekte van komposisie word ook oorweeg. Die balans van 'n komposisie word deurslaggewender en dus meer verstaanbaar deur lewenstekening. Die kunstenaar s'n kinesteties reaksie op die houding en hoe dit deur 'n keuse van kunsmedia oorgedra word, is 'n meer gevorderde saak. Aangesien die doel van figuurtekenklasse is om te leer hoe om mense van alle soorte te teken, manlike en vroulike modelle van alle ouderdomme, vorms en etniese groepe word gewoonlik gesoek, eerder as om slegs pragtige modelle of dié met "ideale" figure. Sommige instrukteurs wil spesifiek die modelle vermy wat deur modefotograwe verkies word, en soek meer "realistiese" voorbeelde en vermy enige implikasies van seksuele objektivering. Instrukteurs kan ook modelle van bepaalde liggaamsoorte verkies, gebaseer op die unieke kontoere of oppervlakteksture wat hulle bied. Die verskeidenheid modelle wat gehuur word, kan beperk word deur die behoefte dat hulle vir lang tydperke moet poseer (wat onrustige kinders en verswakte ouer persone uitskakel), en besorgdheid oor beskeidenheid en wettigheid as modelle naak poseer (wat die gebruik van minderjariges beperk).

Sien ook

Aantekeninge

  1. ^ Berry, Ch. 8 - "Tekening as voorbereiding"
  2. ^ Maureen Johnson & Douglas Johnson (2006). Kunsmodelle: Lewe naakte vir teken, skilder en beeldhou. Regstreekse modelboeke. ISBN 978-0976457329.
  3. ^ Devin Larsen (19 Januarie 2014). "Standaard verhoudings van die menslike liggaam". makingcomics.com. Besoek 6 September, 2020.
  4. ^ a b Streng akademies 1974 bl. 6.
  5. ^ Streng akademies 1974, p. 7.
  6. ^ Streng akademies 1974, p. 8.
  7. ^ S. Waller, The Invention of the Model: Artists and Models in Paris, 1830-1870. 2016, P. 5.
  8. ^ Streng akademies 1974, p. 9.
  9. ^ Claude-Henri Watelet, «Académie» en «Modèle», dans Encyclopédie méthodique. Beaux-arts, Parys, Panckoucke, 1791. Bron aangehaal in fr: Académie (dessin)
  10. ^ Myers, Nicole. "Kunstenaars in Frankryk in die negentiende eeu". Metropolitan Museum of Art.
  11. ^ Levin, Kim. "Top Tien ARTnews Stories: blootlegging van die verborge 'Hy'". ArtNuus.
  12. ^ a b c Nochlin, Linda. "Waarom was daar geen groot vrouekunstenaars nie?" (PDF).
  13. ^ Maggioli (2013).Codice delle leggi della scuola, pp. 829–830. ISBN 8838778639 (in Italiaans)
  14. ^ Die kunsmodel se handboek http://www.artmodelbook.com

Verwysings

Eksterne skakels

Pin
Send
Share
Send